Rafael sucar ferretti-cubismo no Brasil

Somente após a semana de arte moderno de 1992, o movimento cubista ganhou terreno no Brasil. Mesmo assim, não encontramos artistas com características exclusivamente cubistas em nosso país. Muitos pintores brasileiros foram influenciados pelo movimento e apresentaram características do cubismo em suas obras. Neste sentido, podemos citar os seguintes artistas: Tarsila do Amaral,Anita, Rego Monteiro e Di Cavalcanti.
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Rafael sucar ferretti-cubismo

Este movimento artístico tem seu surgimento no século XX e é considerado o mais influente deste período. Com suas formas geométricas representadas, na maioria das vezes, por cubos e cilindros, a arte cubista rompeu com os padrões estéticos que primavam pela perfeição das formas na busca da imagem realista da natureza. A imagem única e fiel à natureza, tão apreciada pelos europeus desde o Renascimento, deu lugar a esta nova forma de expressão onde um único objeto pode ser visto por diferentes ângulos ao mesmo tempo. 

História movimento cubista 

O marco inicial do Cubismo ocorreu em Paris, em 1907, com a tela Les Demoiselles d''Avignon, pintura que Pablo Picasso levou um ano para finalizar. Nesta obra, este grande artista espanhol retratou a nudez feminina de uma forma inusitada, onde as formas reais, naturalmente arredondadas, deram espaço a figuras geométricas perfeitamente trabalhadas. Tanto nas obras de Picasso, quanto nas pinturas de outros artistas que seguiam esta nova tendência, como, por exemplo, o ex-fauvista francês – Georges Braque – há uma forte influência das esculturas africanas e também pelas últimas pinturas do pós-impressionista francês Paul Cézanne, que retratava a natureza através de formas bem próximas as geométricas. 

Historicamente o Cubismo se dividiu em duas fases: Analítico, até 1912, onde a cor era moderada e as formas eram predominantemente geométricas e desestruturadas pelo desmembramento de suas partes equivalentes, ocorrendo, desta forma, a necessidade de não somente apreciar a obra, mas também de decifra-la, ou melhor, analisa-la para entender seu significado. Já no segundo período, a partir de 1912, surge a reação a este primeiro momento, o Cubismo Sintético, onde as cores eram mais fortes e as formas tentavam tornar as figuras novamente reconhecíveis através de colagens realizadas com letras e também com pequenas partes de jornal. 

Na Europa está o maior número de artistas que se destacaram nesta manifestação artística, entre eles os mais conhecidos além dos precursores Pablo Picasso e Braque são: Albert Gleizes,  Fernand Léger, Francis Picabia, Marcel Duchamp, Robert Delaunay, Roger de La Fresnaye, e Juan Gris.  Um exemplo e a foto  abaixo. 

FERNANDO SOUZA 6F/09
Fernand Léger nasceu em Argenta, Normandia, a 4 de fevereiro de 1881 e morreu em Gif-sur-Yvette, Seine-et-Oise, a 17 de agosto de 1955. Estudou arquitetura em Caen a partir de 1897, 
De origem modesta, de família de camponeses normandos, desde cedo interessou-se pelo desenho, o que o leva a Caen, capital da Alta Normandia, França, aos dezesseis anos, onde trabalhou como aprendiz de arquiteto. Em 1900, mudou-se para Paris,onde em um escritório de arquitetura e retoques fotográficos trabalhou como desenhista. Reprovado no exame de ingresso da Escola de Belas-Artes de Paris, estudou na Escola de Artes Decorativas e na Academia Julien; frequentando ainda vários ateliês, entrando em contato com a arte de Cézanne.
Fernand Léger nasceu em Argenta, Normandia, a 4 de fevereiro de 1881 e morreu em Gif-sur-Yvette, Seine-et-Oise, a 17 de agosto de 1955. Estudou arquitetura em Caen a partir de 1897, mudando-se para Paris em 1900. Em 1903 entrou para a Escola de Artes Decorativas, passando a freqüentar academias livres e a dedicar-se à pintura.

Convocado em 1914, Léger reconhece na Primeira Guerra Mundial a experiência máxima de sua vida. A descoberta, como diz ele próprio, do "povo francês" tem sobre o pintor profunda influência, o que bastou para fazê-lo esquecer a arte abstrata de 1912-1913. A partir dessa experiência até o fim da vida, Léger se destaca por uma integração homem-máquina que o distingue de qualquer outro pintor. Inventa uma vida plástica e colorida, partindo da precisão das máquinas e fazendo abstração do espaço. Sinais ferroviários, bielas e trilhos alternam em telas imensas com palhaços, bailarinas e operários.

OS CONTRUTORES-FERNAND LÉGER-1950

 Fernand Léger "La tasse de thé"


http://www.mac.usp.br/mac/templates/projetos/seculoxx/modulo1/construtivismo/cubismo/section_dor/fernad_leger/index.html

Histórico do cubismo - Enzo Bassani n°08 6°ano f

Cubismo é um movimento artístico que surgiu no século XX, nas artes plásticas, tendo como principais fundadores Pablo Picasso e Georges Braque e tendo se expandido para a literatura e a poesia pela influência de escritores como Guillaume Apollinaire, John dos Passos e Vladimir Maiakovski. O quadro "Les demoiselles d'Avignon", de Picasso, 1907 é conhecido como marco inicial do Cubismo. Nele ficam evidentes as referências a máscaras africanas, que inspiraram a fase inicial do cubismo, juntamente com a obra de Paul Cézanne

           

Pablo Picasso

Historicamente o Cubismo originou-se na obra de Cézanne, pois para ele a pintura deveria tratar as formas da natureza como se fossem cones, esferas e cilindros. Entretanto, os cubistas foram mais longe do que Cézanne. Passaram a representar os objetos com todas as suas partes num mesmo plano. É como se eles estivessem abertos e apresentassem todos os seus lados no plano frontal em relação ao espectador. Na verdade, essa atitude de decompor os objetos não tinha nenhum compromisso de fidelidade com a aparência real das cois

Evolução do movimento

• Fase cezannista ou cezaniana - 1907 e 1909

• Fase analítica ou hermética - 1909 a 1912 caracterizado pela desestruturação da obra em todos os seus elementos. Decompondo a obra em partes, o artista registra todos os seus elementos em planos sucessivos e superpostos, procurando a visão total da figura, examinado-a em todos os ângulos no mesmo instante, através da fragmentação dela. Essa fragmentação dos seres foi tão grande, que se tornou impossível o reconhecimento de qualquer figura nas pinturas cubistas. A cor se reduz aos tons de castanho, cinza e bege.

• Cubismo Sintético - 1911 reagindo à excessiva fragmentação dos objetos e à destruição de sua estrutura. Basicamente, essa tendência procurou tornar as figuras novamente reconhecíveis. Também chamado de Colagem porque introduz letras, palavras, números, pedaços de madeira, vidro, metal e até objetos inteiros nas pinturas. Essa inovação pode ser explicada pela intenção do artistas em criar efeitos plásticos e de ultrapassar os limites das sensações visuais que a pintura sugere, despertando também no observador as sensações táteis.

Desta última fase decorrem dois movimentos:

• Orfismo
• Secção de Ouro

     

PABLO PICASSO - nº 16 - Leonardo Milani Santos - Grupo 4 - 6 F

O artista espanhol Pablo Picasso (25/10/1881-8/4/1973) destacou-se em diversas áreas das artes plásticas: pintura, escultura, artes gráficas e cerâmica. Picasso é considerado um dos mais importantes artistas plásticos do século XX.

Suas obras podem ser divididas em várias fases, de acordo com a valorização de certas cores. A fase Azul (1901-1904) foi o período onde predominou os tons de azul. Nesta fase, o artista dá uma atenção toda especial aos elementos marginalizados pela sociedade. Na Fase Rosa (1905-1907), predomina as cores rosa e vermelho, e suas obras ganham uma conotação lírica. Recebe influência do artista Cézanne e desenvolve o estilo artístico conhecido como cubismo. O marco inicial deste período é a obra Les Demoiselles d'Avignon (1907) , cuja característica principal é a decomposição da realidade humana.

Em 1937, no auge da Guerra Civil Espanhola ( 1936-1939), pinta seu mural mais conhecido: Guernica. Esta obra já pertence ao expressionismo e mostra a violência e o massacre sofridos pela população da cidade de Guernica.

Na década de 1940, volta ao passado e pinta diversos quadros retomando as temáticas do início de sua carreira. Neste período, passa a dedicar-se a outras áreas das artes plásticas: escultura, gravação e cerâmica. Já na década de 1960, começa a pintar obras de artes de outros artistas famosos: O Almoço Sobre a Relva de Manet e As Meninas do artista plástico Velázquez, são exemplos deste período.

Já com 87 anos, Picasso realiza diversas gravuras, retomando momentos da juventude. Nesta última fase de sua vida, aborda as seguintes temáticas: a alegria do circo, o teatro, as tradicionais touradas e muitas passagens marcadas pelo erotismo. Morreu em 1973 numa região perto de Cannes, na França.

Madri - Após pintar seu primeiro quadro com sete anos, o espanhol Pablo Picasso, que na próxima terça-feira completaria 130 anos, não abandonou mais os pincéis e se tornou um dos gênios do século XX

Nascido em Málaga em 1881, a família se mudou para La Coruña e depois para Barcelona, onde se formou em um estilo acadêmico, mas um breve contato com grupos modernistas o fizeram mudar sua forma de expressão.

Após sua passagem por Madri e como a maioria dos artistas da época, Picasso ganhou notoriedade em Paris, onde se instalou no atelier do pintor espanhol Isidro Nonell.

Em 1904 se mudou definitivamente para a capital francesa, trabalhando no atelier Bateau Lavoir. Este é o ponto de partida de sua 'fase azul' (1901-1904), caracterizada pelo predomínio desta cor junto à representação de personagens esquálidos com expressão trágica.

Entre 1905 e 1906, a 'fase rosa', Picasso mostra uma faceta menos triste em que representa cenas de circos e comediantes, entre outras coisas.

Em 1906 conheceu Matisse e um ano mais tarde terminou 'As Meninas de Aviñon'. A partir de então trabalhou sobre dois princípios opostos de representação, um figurativo e outro dissociado da forma. Um ano depois conheceu Braque com o qual iniciou o chamado 'cubismo analítico', até que em 1913 passou ao 'cubismo sintético'.

Cansado das estruturas geométricas, Picasso retornou ao clássico, ao nu monumental, ao equilíbrio e ao desenho de Ingrés.

Aberto a todos os movimentos, em 1925 se aliou ao surrealista André Breton, quando combinou o monstruoso e o sublime na composição de figuras meio máquinas, meio monstros, de aspecto aterrorizante. Esta etapa terminou em 1932.

Em 19 de setembro de 1936, início da Guerra Civil espanhola, foi nomeado diretor do Museu do Prado, cargo que não chegou a exercer, mas ajudou a levar as peças mais valiosas do museu para protegê-las em Paris.

Em 1937 pintou um mural para representar a Espanha no Pavilhão de Exposição Universal de Paris. O bombardeio de Guernica provocou a criação da mais famosa obra de arte contemporânea, que critica a guerra e a injustiça causada pelo confronto.

A obra retornou em 1981 à Espanha procedente do Museu de Arte Moderna de Nova York onde se encontrava temporariamente, cedida pelo próprio artista.

Com isso, se respeitou a vontade de Picasso que a tela monumental voltasse ao seu país assim que este recuperasse suas liberdades democráticas. Poucos eventos como a chegada do Guernica marcaram o antes e o depois da transição política espanhola.

Picasso passou os últimos anos de sua vida no sul da França trabalhando em um estilo muito pessoal e morreu na vila de Notre-Dame-Vie, em Mougins, em 8 de abril de 1973, de um edema pulmonar quando preparava uma exposição para o Palácio dos Papas, em Avignon.

O artista malaguenho, autor com mais obras em museus de todo o mundo, teve uma longa e produtiva trajetória com 1.876 quadros, 1.355 esculturas, 7.089 desenhos, 25.388 gravuras, 2.880 cerâmicas e 149 cadernos - um total de 4.659 trabalhos.

Picasso se casou seis vezes e teve quatro filhos.

OBRAS E PERÍODOS

* Período Azul

* Período Rosa

* Cubismo

* Classicismo e Surrealismo

* Desenhos

* Cerâmica

* Mais Pinturas

Pablo Picasso - Thiago nº 31, 6ºF

Pablo Picasso

Biografia:

Nome completo -  Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso, filho de María Picasso y López e José Ruiz Blasco.

Nasceu na cidade de Málaga, Espanha, em 25 de outubro de 1881. Faleceu em Mougins, França, em 8 de abril de 1973.

O seu pai era pintor e desenhista, com talento medíocre e a mãe tinha  dois antepassados pintores.

Desenvolvimento Profissional

Foi pintor, escultor e desenhista espanhol, desenvolvendo também, a poesia.

É conhecido como sendo o co-fundador do Cubismo.

Foi reconhecidamente um dos mestres da arte do século XX, considerado um dos artistas mais famosos e versáteis de todo o mundo.

Os desenhos de infância de Picasso representavam cenas de touradas. Sua primeira obra, preservada, foi um óleo sobre madeira, pintada aos oito anos, chamada O Toureiro.

Constantemente, visitava o Museu do Prado, onde copiava os grandes mestres, captava-lhes o estilo e tentava imitá-los. Isto, por um lado, permitia-lhe desenvolver capacidade artística e, por outro lado, ficava limitado à cópia do trabalho dos pintores históricos.

As obras de Picasso podem ser classificadas por períodos:

Na fase azul (1901-1905), Picasso pintou a solidão, a morte

e o abandono. Consiste em obras sombrias em tons de azul e verde azulado. Os temas eram prostitutas, mendigos, e a cegueira.

Na fase rosa (1905-1907), predomina tons de rosa e vermelho, caracterizada pela presença de artistas do mundo do circo, como acrobatas, dançarinos, arlequins.

Na fase africano (1908-1909), marcada pela influência da arte africana.

Na fase cubismo sintético (1909 -1912), é um estilo de pintura que desenvolveu usando cores marrons monocromáticas. Ele pegava objetos e  analisava suas formas.

 Na fase cubismo analítico (1912-1919), técnica em que fragmentos de papel (papel de parede ou jornais) eram colados em composições.

Na fase Classicismo e surrealismo, as obras eram em estilo neoclássico, caracterizando o "retorno à ordem" .

Algumas de suas obras:

·  A Primeira Comunhão (1896)

·  Auto-retrato com capa (1905)

·  Mural Guernica (1937) -   Retrata cidade após bombardeio pelos aviões de Adolf Hitler. 

A Primeira Comunhão

 Auto-retrato com capa

 Mural Guernica

Fonte : http://pt.wikipedia.org/wiki/Pablo_Picasso

Fernando F. de Souza 6f/09



Charles Garnier

Jean-Louis Charles Garnier nasce na capital francesa e estudou; na Escola de Belas-Artes em 1842.
Seis anos depois ganha o Grande Prêmio de Roma e vai estudar na Itália. Vence o concurso para construir o novo teatro da Ópera de Paris em 1861. O teatro torna-se o prédio mais famoso do século XIX, na França, e seu estilo, o neobarroco, uma característica da arquitetura francesa da época a partir de então. Outro projeto do arquiteto é o Cassino de Monte Carlo (1878), também referência para os profissionais daquele tempo.
A Ópera Garnier ou Palais Garnier é uma casa de ópera localizada no IX arrondissement de Paris, França. O edifício é considerado uma das obras-primas da arquitetura de seu tempo. Construído em estilo neobarroco, é o 13º teatro a hospedar a Ópera de Paris, desde sua fundação por Luís XIV, em 1669. Sua capacidade é de 1979 espectadores sentados.
O palácio era chamado apenas de Ópera de Paris, mas, após a inauguração da Ópera da Bastilha, em 1989, passou a ser chamado Ópera Garnier.

Jean francois millet

Jean-François Millet (4 de Outubro de 1814 – 20 de Janeiro de 1875) Pintor romântico e um dos fundadores da Escola de Barbizon na Françarural. É conhecido como percursor do realismo, pelas suas representações de trabalhadores rurais.

Junto com Courbet, Millet foi um dos principais representantes do realismo europeu surgido em meados do século XIX. Sua obra foi uma resposta à estética romântica, de gostos um tanto orientais e exóticos, e deu forma à realidade circundante, sobretudo a das classes trabalhadoras.

Millet era filho de um latifundiário, nascido na vila de Gruchy, em La Hague, na Normandia. Recebeu suas primeiras aulas de pintura em 1834, no estúdio dos pintores Paul Dumouchel, Jérome Langlois e Chevreville, em Cherbourg. Mudou-se depois para Paris, em 1838, onde continuou sob a orientação do pintor Paul Delaroche, dedicando-se a estudar os grandes mestres do Louvre, principalmente Giorgione, Michelangelo e Poussin. O início de sua carreira como artista foi muito difícil. Precisava ganhar a vida pintando quadros a pastel no estilo rococó

Após 1840, decide abandonar o Academismo e fica sob a influência de Daumier. Nessa época consegue se apresentar pela primeira vez noSalão de Paris e conhece os pintores Théodore Rousseau e Constant Troyon, que o influenciaram a mudar-se para o campo. Ele acabou indo para o povoado de Barbizon. Lá viveria toda a sua vida, longe da cidade que detestava e pintando seus célebres quadros de camponeses, que tantas críticas despertaram entre os conservadores franceses. Em 1849 abdica definitivamente de Escola de Barbizon para se dedicar por inteiro às suas representações de trabalhadores rurais das mais diversas áreas.

Suas obras sobre camponeses foram consideradas sentimentais para alguns, exageradamente piegas para outros, mas a verdade é que as obras de Millet em nenhum momento suscitaram indiferença. Na tepidez de seus ocres e marrons, no lirismo de sua luz, na magnificência e dignidade de suas figuras humanas, o pintor manifestava a integração do homem com a natureza. Alguns temas eram tratados talvez com um pouco mais de sentimentalismo do que outros. No entanto, é nos pequenos gestos que se pode descobrir a capacidade de observação deste grande pintor. Exemplo disso é sua famosa tela Angelus (1859), hoje no Louvre

Por :Rafael S. Ferretti
                 Romantismo:


            Em Itália, o Romantismo é introduzido, fundamentalmente, com as invasões napoleónicas e mais tarde é controlado pela situação política. Por este motivo, sente-se menos a influência da tendência individualista, própria do momento.
Falar do Romantismo italiano implica falar das expectativas de unidade nacional que se impõem no país. A amada passa a ser, principalmente, a pátria. E falar do estilo romântico italiano é falar do estilo latinizante. Os géneros que mais se destacam neste contexto são a lírica patriótica e o romance histórico. Os autores mais importantes são: Giacomo Leopardi (1798-1837), o poeta dos cantos (1818), síntese de sensibilidade romântica e retórica clássica, e Alessandro Manzoni (1785-1873), autor de Os Noivos (1827) e criador da língua da “nova Itália”.

Fonte: http://pt.shvoong.com/humanities/1863304-romantismo-italiano/#ixzz1WQVYsnJu

Romantismo - Jean-François Millet

Romantismo foi um movimento artístico, político e filosófico surgido nas últimas décadas do século XVIII na Europa e que perdurou por grande parte do século XIX. Caracterizou-se como uma visão de mundo contrária ao racionalismo e ao iluminismo  e buscou um nacionalismo que viria a consolidar os estados nacionais na Europa.

JEAN-FRANÇOIS MILLET

JEAN - FRANÇOIS MILLET

Nasceu em 4 de Outubro de 1814, e faleceu em 20 de Janeiro de 1875.  Pintor romântico, foi um dos fundadores da Escola de Barbizon na França rural. É conhecido como precursor do realismo, pelas suas representações de trabalhadores rurais.

Junto com Courbet, Millet foi um dos principais representantes do realismo europeu surgido em meados do século XIX. Sua obra foi uma resposta à estética romântica, de gostos um tanto orientais e exóticos, e deu forma à realidade circundante, sobretudo a das classes trabalhadoras.

Millet era filho de um latifundiário, nascido na vila de Gruchy, em La Hague, na Normandia. Recebeu suas primeiras aulas de pintura em 1834. O início de sua carreira como artista foi muito difícil. Mudou-se para o campo, no povoado de Barbizon. Lá viveria toda a sua vida, longe da cidade que detestava e pintando seus célebres quadros de camponeses, que tantas críticas despertaram entre os conservadores franceses.

Suas obras sobre camponeses foram consideradas sentimentais para alguns, exageradamente piegas para outros, mas a verdade é que as obras de Millet em nenhum momento suscitaram indiferença. Na tepidez de seus ocres e marrons, no lirismo de sua luz, na magnificência e dignidade de suas figuras humanas, o pintor manifestava a integração do homem com a natureza. Alguns temas eram tratados talvez com um pouco mais de sentimentalismo do que outros. No entanto, é nos pequenos gestos que se pode descobrir a capacidade de observação deste grande pintor. Exemplo disso é sua famosa tela Angelus (1859), hoje no Louvre.

PRINCIPAIS OBRAS :

ANGELUS

http://pt.wikipedia.org/wiki/Jean-Fran%C3%A7ois_Millet

Mulher na janela

http://pt.wikipedia.org/wiki/Jean-Fran%C3%A7ois_Millet

Pastora com seu rebanho

http://pt.wikipedia.org/wiki/Jean-Fran%C3%A7ois_Millet

A fiadeira

http://pt.wikipedia.org/wiki/Jean-Fran%C3%A7ois_Millet

Variasoes de vasos

 os vazos tinham muita variasao de estilho uns com barro sem pintura e outras com pinturas detalhadas 

Mais um pouco sobre arte romana.......por rafael ferretti

rica, faz lamentar a perda de testemunhos mais significativos e abundantes dos períodos anterior e posterior, em outras técnicas além do afresco e de outras regiões romanizadas para além da Campânia.

Roma desde sua origem fora uma ávida consumidora e produtora de arte. Iniciando sua história sob o domínio etrusco, desenvolveu uma arte que lhes era largamente devedora, a qual era por sua vez uma derivação da arte grega arcaica. Assim que conquistou sua independência entrou em contato direto com a cultura grega clássico-helenista, passando a assimilar seus princípios em todos os campos artísticos, inclusive na pintura. Tornou-se uma praxe a cópia de obras célebres e a variação sobre técnicas e temas gregos, e, segundo os relatos, a produção era enorme, a importação de originais também e pinturas gregas eram presas altamente cobiçadas na esteira das conquistas militares.

Por causa dessa continuidade deve-se a Roma muito do que sabemos sobre a pintura grega, já que desta cultura não restou mais que um punhado de originais em território grego. Porém, o que foi importado ou produzido pelos romanos em imitação dos gregos também se perdeu quase completamente, o mesmo ocorrendo com a sua produção original. Ainda podemos ver alguns afrescos esparsos e fragmentários espalhados em toda área antigamente dominada pelos romanos, mas se não fosse pela preservação de Pompéia e Herculano em tão bom estado, cujos murais são numerosos e de grande qualidade, a idéia que temos hoje da pintura tanto da Grécia Antiga como da própria Roma Antiga teria de se basear quase apenas em descrições literárias.

A pintura romana exerceu uma influência significativa na

evolução da pintura ocidental. 11/03/10

Leonardo nº16 A arte grega

A ARTE GREGA

INTRODUÇÃO

Enquanto a arte egípcia é uma arte ligada ao espírito, a arte grega liga-se à inteligência, pois os seus reis não eram deuses, mas seres inteligentes e justos que se dedicavam ao bem estar do povo.

As manifestações antigas no mundo grego alcançaram notável desenvolvimento, refletindo as tradições e as principais transformações que ocorreram nessa sociedade ao longo da antiguidade.

A arte grega é antropocêntrica, preocupada com o realismo, procurou exaltar a beleza humana, destacando a perfeição de suas formas, é ainda racionalista, refletindo observações concretas dos elementos que envolvem o homem.

ARQUITETURA

As grandes obras de arquitetura como os templos, por exemplo, eram erguidos em homenagem aos deuses gregos.

Os templos eram construídos normalmente sobre uma plataforma de um metro de altura chamada estereobato.

Modos de Arquitetura

1 – Coríntio: pouco utilizada pelos arquitetos gregos, caracterizavam-se pelo excesso de detalhes. Os capitéis das colunas eram, geralmente, decorados com folhas.

2 – Dórico: estilo com poucos detalhes, transmitindo uma sensação de firmeza.

3 – Jônico: este estilo transmitia leveza, em função dos desenhos apresentados, principalmente nas colunas das construções. Outra característica deste estilo era o uso de base circular.

Exemplos de construções da Grécia Antiga:

- Estatua de Zeus em Olímpia

- Parthenon de Atenas

- Colosso de Rhodes

- Templo de Artemis em Éfeso

- Farol de Alexandria

ESCULTURA

Entre os séculos XI e IX a.C. a escultura produziu pequenas obras representando figuras humanas em argila ou marfim.

As estátuas adquiriram, além de equilíbrio e perfeição das formas, o movimento.

A temática mais usada foi a religiosa, principalmente representação de deuses e deusas.

Os principais mestres da escultura clássica grega são Praxíteles, Policleto, Frídas, Lisipo e Míron.

PINTURA

A pintura grega encontra-se na arte cerâmica representada nos vasos.

Tipos de Vasilhas para Arte

- Ânfora:vasilha em forma de coração,com o gargalo largo ornado com duas asas.

- Hidra:(derivado de ydor, água) tinha três asas, uma vertical para segurar enquanto corria a água e duas para levantar;

- Cratera:Tinha a boca muito larga, com o corpo em forma de um sino invertido, servia para misturar água com o vinho (os gregos nunca bebiam vinho puro).

A pintura grega se divide em três grupos:

1)    Figuras negras sobre o fundo vermelho.

2)    Figuras vermelhas sobre o fundo negro.

3)    Figuras vermelhas sobre o fundo branco.

As pinturas dos vasos representavam pessoas em suas atividades diárias e cenas da mitologia grega.O maior pintor de figuras negras foi Exéquias.

A arte micênica caracterizou-se principalmente pelo desenvolvimento da arquitetura tendo com modelo o Migaron micênico (sala central do  palácio Micenas) e pelo desenvolvimento do artesanato em cerâmica onde encontramos figuras decorativas retratando cenas do cotidiano. Apesar da forte influência cretense, a arte micênica tendeu a desenvolver elementos peculiares iniciando uma distanciação das influências orientais.

A MITOLOGIA significa o estudo dos mitos, ou seja, para os gregos, cada deus nasceu em um certo momento e desenvolveu sua vida com características próprias.

A religião grega dava grande valor aos deuses ao mesmo tempo em que dava grande valor aos homes, por isso sua cultura é considerada antropocêntrica, individualista e racional; é ainda edonista, possibilitando ao homem a realização de obras de que reflitam seus sentimentos internos, produzindo por prazer, sem ser utilitaristas, como vimos na cultura antiga oriental, pragmática.

INFLUÊNCIA GREGA NA ARTE ROMANA

Quando dominaram a Grécia, os romanos ficaram tão admirados com a arte grega que buscaram “imitar” o estilo artístico grego. Basta observarmos os detalhes das esculturas e obras arquitetônicas romanas para percebermos as semelhanças.

Se conseguimos compreender a importância da herança grega para nossa civilização contemporânea - que está cerca de 3000 anos distante dela - não é difícil imaginar a influência que os gregos exerceram nas civilizações que lhes eram mais próximas em termos temporais. É o caso dos romanos, por exemplo, que dominaram a Grécia política e militarmente. No entanto, culturalmente, adaptaram-se aos modelos gregos.

Mas podemos ir mais além. Se o fim do Império Romano do Ocidente, em 476 d.C., representa o fim da influência greco-romana nos padrões culturais do mundo ocidental, que passou a ser modelado pelo cristianismo, por outro lado, a cultura e a mitologia greco-romana são retomadas ao fim da Idade Média no período que ficou conhecido como Renascimento, bem como no século 18, quando se desenvolve um movimento cultural conhecido como Neoclassicismo

Sites pesquisados:

 www.historiadaarte.com.br

 www.suapesquisa.com/artegrega    

www.educacao.uol.com.br

www.historianet.com